Kategorie: Kritiken

Bayern spielt „Spurensuche“ auf der Studiobühne

Bei uns in Hamburg gibt es eine Gedenkstätte: das KZ-Neuengamme. Mittelstufenschüler meiner ehemaligen Schule unternehmen jährlich eine Exkursion zu diesem riesigen unscheinbaren Gelände irgendwo zwischen Wandsbek und Bergedorf. Sie sollen konfrontiert werden mit den Schrecken des Nationalsozialismus. Dafür werden sie mit der S-Bahn einmal quer durch die Hansestadt gekarrt und nach einer bummeligen Juckel-Tour mit einem Linienbus vor dem nicht mehr vorhandenen Haupteingang des Lagers ausgespuckt. Wenn sie aussteigen, sind die meisten erst einmal enttäuscht: „Hier steht ja fast gar nichts mehr…“. In solchen Situationen platzt dem zuständigen Lehrer erfahrungsgemäß der Kragen, doch kann er wirklich erwarten, dass ein Ort über Generationen hinweg Geschichte vermittelt? Funktioniert die menschliche Empathie nicht anders? Die Theater-AG des Ernst-Mach-Gymnasiums Haar meint schon, und begibt sich auf eine interaktive Spurensuche nach der Euthanasie-Vergangenheit ihres Heimatortes, der sich der Zuschauer nur sehr schwer entziehen kann.

Euthanasie meint eigentlich Sterbehilfe, wurde von den Nationalsozialisten aber als Euphemismus für die systematische Ermordung und Sterilisation behinderter Menschen verwendet. Geht man mit diesem Vorwissen in die Vorstellung der Bayern, stellt sich bereits ein mulmiges Gefühl ein, wenn man zusammen mit den anderen Zuschauern den engen Gang zur Studiobühne des Kieler Schauspielhauses entlangdrängt. Aus dem abgedunkelten Raum wabert melancholische Musik. Beim Tritt über die Türschwelle stellt sich kurz die Assoziation eines Nachtclubs ein – das mit Zuschauern gefüllte Quadrat, welches den Großteil des Raumes einnimmt, sieht einer Tanzfläche nicht unähnlich. Die Darsteller aber, die an den Seiten des Raumes auf einem Laufsteg stehen und dem Publikum den Rücken kehren, unterstreichen den ernsten Tonfall der Musik und relativieren eine Nachtclubatmosphäre. Nachdem die Situation einige Minuten Zeit hatte zu wirken, wendet sich das Ensemble dem Publikum zu und das eigentliche Schauspiel beginnt. Ganz langsam ziehen sich die Figuren in eine Ecke des Raumes zurück und halten den Blickkontakt mit möglichst vielen Zuschauern aufrecht. Sie holen tief Luft und keifen mit maximaler Intensität: „Du!“ Der schneidende Befehlston geht durch Mark und Bein. Man fühlt sich erniedrigt, allein, unmittelbar gemeint. Ein Damm ist gebrochen und lässt die Einflüsse der nächsten 60 Minuten ungehemmt einfließen. Man kann nicht fliehen, ist dem Spiel, das die Darsteller mit einem treiben, schutzlos ausgeliefert. „Alle Personen unter 1,70 Meter gehen in diese Ecke, alle Personen über 1,70 Meter in jene!“ Einige Zuschauer überlegen, sich zu widersetzen, letztendlich geben alle nach. Man wird herumkommandiert, belehrt, eingeschüchtert – die enge des Raumes tut ihr Übriges, um eine seelische Klaustrophobie zu verursachen. In diese Simulation wird nun Wirklichkeit eingespeist. Biografische Ausschnitte verfolgter Personen tönen aus den Lautsprechern. Kein Buch und kein Kinofilm könnten der Empathie einen besseren Nährboden bereiten als diese körperliche Ausnahmesituation.

„Spurensuche“ möchte um jeden Preis berühren, ja zwingt regelrecht zur Betroffenheit. Vielleicht schießt die Gruppe übers Ziel hinaus und schabt an der Grenze zum Pathos, wenn sie mit roter Farbe „Leben lassen!“ an eine weiße Wand schreibt – mit solch einem Vorgehen kann man sich heutzutage wieder Feinde machen. Gerade hier wird aber auch der Mut deutlich, der das Stück ausmacht. Mut zur Wahrheit und zur Aufopferung, der als Gegenpol zu rechten Strömungen unerlässlich ist. Gerade junge Menschen sind ohne Enthusiasmus schwer zu erreichen und brauchen vielleicht statt Gedenkstättenbesuchen Erlebnisse wie dieses.

Vorab-Interview Annika, Bayern (PDF-Version) 

Sachsen spielt „Wer nichts zu verbergen hat“ im Schauspielhaus

Meckern – eigentlich wollen wir das ungern, müssen es aber leider manchmal. Vorab wollen wir daher klarstellen, dass die Kritikpunkte in diesem Text Meckern auf hohem Niveau sind. „Wer nichts zu verbergen hat“ ist ein starkes Stück und wie jede Rezension soll diese Rückmeldung vor allem eine Anregung sein.

Zunächst zum Inhalt: Die Schüler haben sich mit den Romanen „1984“ und „The Circle“ beschäftigt. Die Hauptthemen sind somit zum einen der Zwang zur Anpassung in der Gesellschaft und zum anderen die fortschreitende Digitalisierung. Auf der Bühne sieht man eine schwarze Leinwand, in deren Mitte ein kleines weißes Stofffenster eingelassen ist, das als eine Art Bildschirm fungiert. Die Spieler tragen anfangs schwarze Hosen und blaue Hemden und wechseln später erst zu schwarzen und dann zu weißen T-Shirts. Diese Änderung des Outfits lässt sich als ein Symbol für den Wandel der Gesellschaft deuten. Zeitgleich gibt es erste Anzeichen für den Wunsch nach Ausbruch aus der Gemeinschaft, da nicht alle Darsteller ihr Oberteil bereitwillig wechseln. Winston Smith, ein Charakter aus dem Roman „1984“, möchte außerdem nicht am gemeinschaftlichen Sport teilnehmen, lässt sich aber zunächst noch zwingen. Es geht weiter mit „The Circle“: „Warum brauchen wir noch das Wort ‚schlecht‘, wenn wir das Wort ‚gut‘ haben, wir könnten genauso gut einfach das Wort ‚ungut‘ verwenden.“. Je weniger Worte zum Ausdrücken von Emotionen vorhanden sind, desto schwieriger ist das Herausstechen aus der Masse – so der Gedanke der Machthaber. Der Wille soll gebrochen und die Gesellschaft maschinell werden. Erst in der Mitte des Stückes wird zum ersten Mal eine direkte Verbindung zum Titel hergestellt: „Hast du schonmal darüber nachgedacht, dass du nicht die einzige bist, die durch deine Frontkamera schaut?“ Im restlichen Teil der Inszenierung ist ein Bezug zu einer konkreten Botschaft nur schwer herzustellen. Ein weiterer Abschnitt beschäftigt sich mit der Problematik, dass mobile Endgeräte immer wichtiger für die Menschheit werden – vor allem für die heranwachsende Generation. Die dargestellte Sehnsucht nach der Freiheit, auch einmal nicht erreichbar sein zu müssen, ist groß, doch als einziger auszubrechen scheint unmöglich und niemand traut sich, die Revolution zu beginnen. Die Anfangsthematik des Stückes wird also wieder aufgegriffen, ohne dass eine Entwicklung stattgefunden hätte. Und da kommen wir auch schon zum Meckern. Dem gesamten Stück fehlt es etwas an Dynamik, was zum Beispiel durch lautes Anatmen und fehlende Synchronität bei chorischen Passagen hervorgerufen wird. Ein roter Faden war daher schwer auszumachen. Auch wenn die emotionslosen Texte absichtlich gewählt sein sollten, wirken sie sich negativ auf die Spannungskurve aus. Es fehlten einfach die Highlights. Die Sachsen haben in ihrem Stück sehr weit gedacht, aber nicht in jeder Hinsicht. Die Darstellung und Spannung halten mit dem Inhalt zweier Romane nicht Schritt und können ihn nur schwer vermitteln – es dreht sich etwas im Kreis.

Vorab-Interview Isabel, Sachsen (PDF-Version)

Hamburg spielt „Instagrammodels“ im Schauspielhaus

Vor Beginn des Stückes wird noch einmal ausdrücklich darum gebeten, erst am Ende Beifall zu spenden. Dass viele Zuschauer trotzdem immer wieder zum Szenenapplaus ansetzen, lässt schon erahnen, auf welche Zustimmung die Instagrammodels bei ihrer Prime-Time-Vorstellung am Dienstagabend stoßen.

Ein buntes Feld von Ballons liegt vor dem noch geschlossenen Vorhang und deutet das vielseitige Feuerwerk an, das in den nächsten 60 Minuten gezündet werden wird. Als der erste Akteur den Raum betritt, ist noch nicht ganz greifbar, ob auf den Zuschauer ein alberner oder lustiger Abend zukommt, denn der Darsteller setzt sich in Skimontur ans Piano und versucht mit Fäustlingen Klavier zu spielen. Das Resultat klingt jedoch überraschend gut und der Vorhang öffnet sich zu den Anfangsakkorden von Adeles „Someone like You“. Schon jetzt spricht nur noch wenig für reinen Klamauk, dafür ist das erste Bild zu ästhetisch in Szene gesetzt: Die singende Darstellerin steht auf der Spitze einer kleinen Barrikade, die aus Klamotten und Gepäck besteht. Sie steht im Lichtkegel und wirft einen großen Schatten auf die Bühnenrückwand. Wie Schaufensterpuppen liegen ihre Mitspieler ihr zu Füßen und schauen mit leerem Blick in unterschiedliche Richtungen. Über dem Menschenhügel im Ballonmeer schweben vier silberne Ballons, die den Schriftzug „2-0-1-8“ bilden – als Damoklesschwert schwebt die heutige Zeit über den Jugendlichen und wirft ebenfalls einen vielsagenden Schatten.

„(…) but sometimes it hurts instead.“ Die Schaufensterpuppen erwachen und es beginnt ein energisches Gezeter. Ihre Rolle am Fuß des Hügels gefällt ihnen nicht, sie wollen gefälligst auch im Rampenlicht stehen. Diese Spiegelung des zeitgenössischen Tunnelblicks stellen die Hamburger in einer Mischung aus Monologen und akkuratem chorischem Sprechen dar, die fesselt. Ein Auftakt für eine Reihe von Bildern, in denen so ziemlich jedes kontroverse Thema durchgearbeitet wird, das der Zeitgeist zu bieten hat: Entscheidungszwang, Schönheitsideale, Kapitalismus, Bindungsangst, Klimawandel. So viel zum Inhalt. Trotz der kritischen Ambitionen, die der Titel suggeriert, wurden wenige überraschende Denkanstöße gegeben, das Stück lebt von der Ästhetik und seiner Energie. Die Ballons hatten recht.

Die Kostüme schaffen die optische Basis. Die Hamburger sind einfach stilvoll gekleidet. Vor allem die Darsteller leicht versnobter oder skurriler Charaktere nutzten die Chance, um eine modische Extravaganz auszuleben, die im Alltag schwer unterzubringen wäre. Selbst rein symbolische Accessoires wie Rettungsringe wirken farblich nicht gänzlich aus der Luft gegriffen, hier wurde mit viel Liebe fürs Detail gearbeitet. Als Bühnenbild bleibt die Klamottenbarrikade eine Konstante, allerdings fängt sie mitunter an zu dampfen und wird von verschiedenfarbigem Bühnenlicht in Szene gesetzt. Das Auge ist also angenehm eingelullt, das Ohr aber hat den Jackpot gewonnen: Das Albert-Schweizer-Gymnasium gilt als eines DER Hamburger Musikgymnasien, weshalb die Regie akustisch aus dem Vollen schöpfen konnte. Bratschensolo, Posaunenbegleitung, Streicherquartett, Klavierbegleitung, klassischer Gesang und ein Ensemble, das auch als Chor hätte auftreten können – so macht Musiktheater Spaß.

Besonders ansprechende Momente entstehen, wenn die darstellenden Elemente mit der Musik verknüpft werden. So lässt eine live gesungene Choral-Begleitung ein übergroß gestreamtes Donald-Trump-Video einzigartig skurril wirken, indem es das Proletentum des Hauptdarstellers mit der eigentlichen Würde des Präsidialamtes in Kontrast setzt. Das Publikum johlt und müsste eigentlich schluchzen. Das ist vielleicht die große Gefahr, die von solchen Stücken ebenso ausgeht wie von populären Formaten der Kategorie „Neo-Magazin-Royal“. Lachen ist Schmerzmittel aber keine Medizin. Man macht gute Miene wegen des bösen Spiels und die permanente Ironie hebt die Wirkung der Inspirationsquellen nicht so grundlegend auf, wie man es gerne hätte. Zu viel Konsum macht hier eher zynisch, als dass er aufklären würde. In diesem Bild ist das Hamburger Stück ein Genussmittel. Kenne dein Limit.

Vorab-Interview Paula & Malte, Hamburg (PDF-Version)

Sachsen-Anhalt spielt „AndersWie“ im Schauspielhaus

Wie soll ich diese Rezension nur beginnen? Wahrscheinlich am besten wie es sich beim Titel des Stücks anbietet: „Anders wie.“

Der SDL-Tag ist schon fortgeschritten, als die Gruppe aus Sachsen-Anhalt den anderen SDL-Teilnehmern ihre Arbeit der letzten Tage und Monate präsentiert. Nach der Anmoderation finde ich mich also auf meinen Platz in der zweiten Reihe vorne Links am Rand wieder – von hier hat man alles genau im Blick. Auf der Bühne steht eine kleine Treppe, die wohl schon länger im Fundus anzutreffen war. Die Spielerinnen und Spieler betreten die Bühne mit schwarzer Hose, Hosenträgern und weißem Hemd. Mit dem expressionistischen Gedicht „Weltende“ beginnt das etwas andere Stück. Ich bin verwirrt und rechne mit einer Performance ohne fließenden Text. Ich denke mir: „Das schaffst du nicht, dazu war der Tag zu lang und zu anstrengend.“ Dieser Gedanke wird zum Glück von der nächsten Szene verworfen. Dicht gefolgt von zwei Spielern im Businessoutfit betritt eine Darstellerin die Bühne in einem blau karierten Kleid. In einer Hand hält sie eine Aldi-Tüte. Auf der Leinwand wird ein futuristisches Großraumbüro abgebildet – oder doch gleich der nächste Applestore? Wer weiß das schon. Die Geschäftsmänner reden von Billionenbeträgen und deren Vermehrung. Ganz klar, es muss klingeln in der Kasse und das so schnell wie möglich – man muss schließlich wieder Nummer 1 der Welt werden. Sie reden auf die Frau ein, die im Hintergrund in einer namhaften deutschen Zeitung mit rot-weißem Logo liest. Dieses Meisterwerk der Journalistenzunft berichtet ja bekannterweise nicht nur über die Trennung von Sarah und Pietro – keine Panik, Alessio gehts gut – sondern auch über die liebevolle Nachbarschaftsfürsorge von Till Schweiger. Also alles, was die Welt bewegt. Eben dieser Dame soll jetzt eine Investition verkauft werden, obwohl sie sich diese nicht leisten kann. In ihrer Argumentation sprechen unsere Meisterverkäufer davon, dass das Durchschnittsnettoeinkommen bei 1824€ liege und somit gar nichts gegen die Investition sprechen könne. Es wird somit indirekt gezeigt, wie individuelle Schicksale und Personen im System untergehen und dass für diejenigen, die nicht mit dem Strom schwimmen, kein Platz ist. Die Kernthese, die vermittelt wird, lautet in etwa: „Sei flexibel und eck‘ nicht an, ansonsten passen wir dich an.“ Das Stück findet seinen Höhepunkt in der Gameshow „Money oder Honey“. Der Moderator bittet auf aufdringliche Weise um das Beantworten systemkritischer Fragen. Letztendlich gewinnt nicht die Kandidatin, die alle Fragen richtig beantwortet, sondern diejenige, die so gut wie nichts weiß.

Mein Fazit: Die Aufführung gefällt vor allem durch ihre sozialkritische Thematik und die Energie der Spieler. Alle schienen wirklich Spaß zu haben –  rundum eine gelungene Show. Nur als ich bei meinem stehenden Applaus nicht viele Mitstreiter hatte, fragte ich mich, ob ich da vielleicht zu viel hineininterpretiert habe. Egal, vielleicht bin ich einfach „Anders wie“.

Vorab-Interview Josephine, Sachsen-Anhalt (PDF-Version) 

Brandenburg spielt „Auf sich gestellt“ im RBZ

Dieses Stück nimmt sich vor, mit „Der Herr der Fliegen“ eine ganze Romanhandlung in 60 Minuten unterzubringen. Leider nimmt daher der Text etwas viel Raum ein. Um das zu verdeutlichen, hier eine Nacherzählung der Handlung, die vermittelt wurde:

Eine der Spielerinnen tritt hervor und spricht einen unheilsverkündenden Text. Es ist die Art, wie Sie ihn spricht – gewissenslos. Zwei andere Spielerinnen fangen an sich kennenzulernen. Jack kommt ins Spiel. Die ganze Bühne einnehmend, wirkt er wie von Gewalt geprägt. Die Nahrungssuche ist für ihn ein Spiel, denn Töten ist ihm ein Leichtes. Seine ganze Körperhaltung ist angespannt. Ein starker Kontrast zu Piggy, der eher ängstlich, jedoch klug wirkt und klar zu denken scheint. Bereits am Anfang wird er von den anderen ausgelacht und sitzt immer etwas außerhalb der Kinder. Er übertrifft jeden einzelnen weit an Intelligenz, wird aber nicht für voll genommen. Selten darf er ausreden. Bereits zu diesem Zeitpunkt kristallisieren sich die Charaktere von Piggy, Jack und Ray klar heraus. Meinungsverschiedenheiten sind vorprogrammiert. Es kommt zur Parteienbildung. Sofort. Jagen oder für eine Unterkunft sorgen? Gemischter Gefühle versuchen sie sich richtig zu verhalten. Aber was ist richtig? Im Zweifel folgen sie lieber dem Stärkeren, schließlich wollen sie überleben. Dem gewählten Anführer Ray geht es um Struktur und Rettung. Einige haben Angst vor einem Monster im Wald, was aber nicht auf offene Ohren trifft. Die Kinder simulieren eine Schweinejagd mit Piggy als Schwein. Sie umzingen ihn. Die Kinder verwildern. Die Gruppe der Jäger wächst und wächst. Die Aggressivität wird durch das Klopfen mit Speeren auf den Boden verstärkt. Haltlos. Mit Blut im Gesicht. Stück für Stück vergessen sie ihre Menschlichkeit, es ist erschreckend, wie schnell sie sich Jack anschließen. Angst wird zu Hass, alle lassen sich mitreißen. Es gewittert und wird dunkel. Ein Junge ist tot. Einige ekeln sich vor sich selbst und drehen sich weg vom Publikum. Sie gehen in den Zuschauerraum, sagen uns, wir sollen es ja keinem sagen. Es bleibe ein Geheimnis. „Und nun, geht!“

Das war ziemlich viel und irgendetwas fehlt bei dieser Inszenierung. Vielleicht sind es zu wenige Schauspieler, um die Entwicklung in der Gruppe auszudrücken. Mehr stilistische Mittel und darstellende Bilder würden die Geschehnisse abwechslungsreicher und einprägsamer verdeutlichen sowie den Spannungsbogen heben. So will keine wirkliche Steigerung aufkommen und die langen Dialoge wirken etwas schleppend. Die schauspielerische Leistung hat streckenweise beeindruckt, die sonstige Darstellung jedoch kommt zu knapp. Die Handlung bleibt stark, sie hat den Literaturnobelpreis bekommen. Über gelungene schauspielerische Nacherzählung kommt diese Inszenierung nicht hinaus.

Bremen spielt „Heimat“ im Schauspielhaus

Verschiedene Menschen und doch dieselbe Erfahrung. Eine Kombination aus Jeans und weißem T-Shirt. Als Blog-Redakteure dürfen wir als erstes den Saal betreten. Hier finden die letzten Aufwärmübungen, das Abchecken der Technik und gemeinsamer „Motivationsaufbau“ statt.

Das Publikum betritt gespannt den Saal. Ein Klavierspieler und ein Standbild: ein Mädchen und Junge sitzen jeweils an einer alten Schreibmaschine. Das Mädchen beginnt mit der Schreibmaschine einen Text zu schreiben, der mit trauriger, emotionaler Klaviermusik begleitet wird. Für die Zuschauer ist der Text auf einer Leinwand zu sehen. Man erfährt, dass es sich beim Thema des Textes um das Verlassen der eigenen Heimat handelt. Heimat – jeder kennt diesen Begriff, trotzdem gehen die Definitionen in verschiedene Richtungen. In diesem Stück erzählt eine Gruppe Jugendlicher, wie sie ihre Heimat verlassen müssen. Die Zuschauer erfahren durch persönliche Rapeinlagen und Erzählung, wie sie sich anfangs in Deutschland gefühlt haben und wie schwer es ist, seine Heimat und dadurch auch die eigene Kindheit hinter sich zu lassen. Gerade bei der mündlichen Übermittlung konnte man regelrecht spüren, dass alles, was auf der Bühne geschehen ist, auf wahren Erlebnissen beruht. Die Darsteller aus Bremen zeigen, dass sie unter Heimat etwas sehr ähnliches Verstehen, obwohl sie aus unterschiedlichen Ländern kommen. Das Publikum zeigt durch tosenden Zwischenapplaus und mitfühlenden Emotionen, wie gut das Stück ankommt.

Barfuß und freche, selbstsichere Gesten: hier das Symbol sich selbst gefunden zu haben und sich nicht von Rechtsradikalen einschüchtern zu lassen. Nun wird dem Publikum eine Rede des AFD Politikers Gauland eingespielt. Durch die vorher erzählten Erlebnisse der Schauspieler aus der Heimat und von der Aufnahme in Deutschland wird es noch einmal absurder, so eine schreckliche Aussage über Flüchtlinge zu hören.

Als kleiner Makel wirken höchstens die Übergänge zwischen den Szenen ein wenig abrupt, was aber durch das ehrliche und ambitionierte Spiel der Darsteller allemal ausgeglichen wird. Die Darsteller zeigen abschließend ihren Dank für die Hilfe, die sie von ihren Lehrern und Pädagogen bekamen (im Schauspiel, im Tanzen und beim Rappen) mit einer umfassenden Danksagung. Gratulation für dieses berührende, ergreifende Stück „Heimat“.

Vorab-Interview Abdul, Bremen (PDF-Version)

Schleswig Holstein spielt „Na Gott sei Dank“ in der Kieler Oper

Viele verschiedene Gesichter, ganz unterschiedliche Nationalität, schwarze Kleidung, blaues Licht, ein Standbild. Wir betreten den Raum, ich – natürlich – finde meinen Platz erstmal nicht. Eine halbe Reihe muss aufstehen. Na toll. Das Licht wird dunkler, die SpielerInnen rennen durcheinander, ein kleiner Monolog. Wieder ein Standbild, diesmal ein bewegtes, fünf Gruppen in verschiedenen Ebenen, alle in verschiedene Richtungen gedreht und doch beten sie alle – beten sie? Es sieht so aus – nach oben, gen Himmel.
Na Gott sei Dank – Was bedeutet Glaube und was bringt er für Freuden aber auch Probleme mit sich? Es gibt so viele Unterschiede, der eine feiert Weihnachten, für den anderen ist das Zuckerfest nach dem Fasten von Bedeutung. Beten für die Familie, für Frieden im eigenen Land, beten, dann, wenn man glücklich ist oder Angst hat. Fünfmal am Tag? Wenn man es gerade selbst braucht, oder… auch gar nicht. Die Gruppe aus Schleswig-Holstein zeigt, wie verschiedene Glaubensrichtungen, trotz Konfliktpotenzial zusammen existieren können, manchmal nebeneinander, aber doch als friedliche Gemeinschaft.

„Ich glaube an Allah.“
„Ich glaube an mich selbst.“
„Ich glaube an Gott.“
„Ich glaube an meine Familie.“

Der Saal ist dunkel. Eine Kerze nach der anderen erleuchtet, das schummrige Licht erhellt die Gesichter der Spieler. Ein schönes Bild, voller Hoffnung und Verletzlichkeit. Sie offenbaren ihre Wünsche, Ängste und ihre Religion in dem was sie glauben. Die Kerzen als einzige Requisiten – ein Symbol Gottes oder eben nicht, in jedem Fall ein Symbol der Hoffnung.
Aber auch die Grausamkeit einiger Religionen wird gezeigt, indem mit den Kerzen als Mordinstrument einige Spielerinnen geköpft werden. Nachdem die Mörder aus den toten Körpern ein Kreuz gelegt haben, sagen sie: „Im Namen Gottes“. Die Charaktere betonen aber auch, dass sie gerne einiges an ihren Religionen verändern würden, wenn sie könnten. So zum Beispiel die Zwangsheirat und die Verpflichtung zum Tragen einer Kopfdeckung. Später wird die Stimmung versöhnlicher:  Eine weihnachtliche Szene – die Gruppe stellt sich auf und alle – ob sie nun Weihnachten feiern oder nicht – singen eines der traditionell beliebtesten deutschen Weihnachtslieder: Stille Nacht. Ein starker Moment. Alle gemeinsam stehen sie auf der Bühne, die magische, weihnachtliche Atmosphäre füllt den gesamten Saal aus und das, obwohl viele einen anderen Glauben als das Christentum haben und aus fernen Ländern kommen.

Man merkt, dass dieses Stück von den Schülern selbst kommt. Es ist ehrlich, mutig und mit viel Herz gespielt. Verschiedene Schüler erzählen ganz persönlich, wie sie es sicher auch uns erzählen würden, die Regeln ihres Glaubens oder spielen festliche Szenen aus den eigenen Familien nach. Obwohl „Na Gott sei Dank“ keinen großen Wert auf einen zusammenhängenden Spannungsbogen legt, berührt es mit seinen ehrlichen, persönlichen Aussagen die Zuschauer. Es begeistert nicht nur mit vielen Gesangseinlagen, sondern kann auch einen neuen Blickwinkel auf zunächst ferne Religionen eröffnen, indem nähergebracht wird, wer und was dahintersteht. Am Ende ist der Applaus gewaltig, es wird geklatscht und gepfiffen, viele Leute stehen sogar auf. Vielleicht hat denjenigen, die sitzengeblieben sind, erzählerischer Zusammenhang gefehlt, inhaltlich und spielerisch ist der Beifall aber voll und ganz gerechtfertigt. Die Botschaft des Stücks ist hoffnungsvoll. Deshalb verlasse ich den Saal etwas nachdenklich, aber mit einem Lächeln. Wie der gesamte Eröffnungsabend macht das Stück Lust auf mehr.

Vorab-Interview Yekta, Schleswig-Holstein (PDF-Version)

Vorab-Interview Niklas, Schleswig-Holstein (PDF-Version)